ТВОРЧЕСТВО КОМПОЗИТОРА. ПОИСК. УСПЕХ

Среди художников, оставивших значительный вклад в музыкальной культуре Казахстана, одно из достойнейших мест занимает творчество известного композитора и общественного деятеля Еркегали Рахмадиевича Рахмадиева.
С первых шагов творческой деятельности он сразу нашел свою стезю и заявил о себе ярко и индивидуально. Столь блистательный взлет его творчества в немалой степени связан с его общественной деятельностью как музыканта-гражданина своей эпохи, своего времени, что и обусловило четкость жизненной позиции, широту его взглядов и реализм мировосприятия. Другого и не могло быть, ибо творчество такой деятельной натуры, как Е. Рахмадиев, совпало с грандиозными созидательными переменами, происходившими в 60-80 годы XX столетия в Казахстане. Этим обусловлены - и ясность его эстетических убеждений, твердость, художественность позиций и демократическая нравственность всего творчества. Поэтому не случайно, что именно в эти годы заявила о себе целая плеяда таких талантливых композиторов, как Б. Байкадамов. К. Кужамьяров, К. Мусин, Н. Мендыгалиев, Д. Ботпаев, М. Койшибаев, К. Кумысбеков, А. Бычков, М. Сагатов, Б. Баяхунов, Б. Джуманиязов, М. Мангитаев, В. Новиков и другие. Но среди них Е. Рахмадиев вместе с Газизой Жубановой и Сыдыхом Мухамеджановым занимают особое место.

Все названные композиторы относятся к среднему поколению композиторов Казахстана, которое с воодушевлением и энтузиазмом подхватило эстафету старших - Е. Брусиловского, А. Жубанова, JI. Хамиди, М. Тулебаева, достойно продолжило их дело и внесло значительный вклад в дальнейшее развитие и процветание музыкальной культуры республики.

Становление Е. Рахмадиева как личности творческой началось еще в годы учебы в консерватории - в период напряженных студенческих будней, счастливой поры познания, надежд и дерзаний. Сама программа обучения требовала и способствовала такому "взрослению". Так, уже на 1 курсе каждый будущий композитор должен был создать четыре вокальных сочинения в форме песен или романсов с аккомпанементом, четыре инструментальные пьесы для различных инструментов. В классе профессора Е. Брусиловского студенты с первых дней умело выполняли учебную программу, поэтому более сложные программы следующих курсов их не страшили. На II курсе они уже выполняли вариации на народные песни или кюи (не менее 6-8) и пьесу хорового ансамбля.

Задания для студентов последующих курсов были посложнее: они должны были освоить крупную форму - сонатное allegro, сложную трехчастную или рондо. Особенно трудным считалось освоение музыкальной формы, умение к естественным переходам из одного раздела в другой, нахождение контрастного сопоставления фраз, предложений и периодов. Е. Брусиловский был не только требовательным педагогом, но и мудрым, терпеливым наставником: на конкретном тематическом музыкальном материале он показывал, рассказывал, при необходимости направлял и подсказывал. Он заставлял на первых порах тщательно изучать и анализировать пьесы из детских альбомов П. Чайковского, Ф. Шуберта, Р. Шумана, а также пьесы современных композиторов - С. Прокофьева, Д. Шостаковича, Д. Кабалевского, А. Хачатуряна и др.

Много учебного времени отводилось, помимо дисциплин по специальности, лекциям и практическим занятиям по музыкально- теоретическим и историческим циклам, инструментовке, чтению партитур, фортепиано. К тому же в стесненных условиях тех лет аудиторий для самостоятельной работы не хватало, поэтому студентам приходилось ежедневно вставать в шесть часов утра, занимать классы или, наоборот, оставаться вечерами до поздна после занятий. Да и нотная литература, записи на пластинках и пленках в те годы имелись в ограниченном количестве, приходилось постоянно посещать спектакли в оперном и драматическом театрах, концерты в филармонии, чтобы "вживую" слушать музыку.

Первым удачным сочинением Е. Рахмадиева стали 7-вариаций для фортепиано на тему народной песни "Лайлiм". Разнохарактерные пьесы были написаны в форме романтического марша, лирического вальса и динамического кюя. Это произведение одобрили члены кафедры композиции, а затем его тепло приняли слушатели. Вскоре Е. Рахмадиев переложил его для оркестра казахских народных инструментов и в этом варианте оно часто звучало на концертных площадках и в эфире по радио.

В студенческие годы были написаны еще несколько миниатюр (пьеса для кларнета, две пьесы для фортепиано). Но наибольший успех принесла Е. Рахмадиеву поэма для фортепиано "На зов Абая", которая явилась своеобразным откликом на стихи великого поэта и мыслителя Абая Кунанбаева. Обычно начинающие творческие личности первые свои произведения посвящают образам природы, птицам, животным и пишут в традиционном стиле. Е. Рахмадиев мог бы продолжить эту традицию, имея в виду хотя бы поэтический опыт отца и дяди Айткали, которые были акынами. Однако, приступив к сочинению поэмы, композитор поставил перед собой новую задачу. Сам жанр, форма и содержание обязывали его ответить на важный вопрос - сможет ли он, хватит ли сил по зову Абая, поэта и просветителя, принять эстафету, продолжить его дело, т.е. принять "вызов". И все же он решился, дерзнул и был счастлив, что смог справиться с этой сложной задачей на уровне студенческой профессиональной музыкальной подготовки. Успех подкрепила и рекомендация поэмы "На зов Абая" для участия во всесоюзном конкурсе в Москве. Там ее блестяще исполнила Ева Бенедиктовна Коган, а поэма была отмечена дипломом.

Поездка в Москву окрылила молодого композитора, он поверил в себя и решил взяться за оркестровое сочинение, темой которого хотел избрать события 1916 года в Казахстане.

Как известно, в годы Первой мировой войны резко ухудшилась и без того тяжелая жизнь казахской бедноты. В мае 1916 года вышел царский указ о мобилизации казахов (как и других народов царской окраины) в армию на тыловые работы, вызвавший нарастание стихийного народного движения против царизма и местных угнетателей.

Вскоре движение переросло в народное восстание против военно- колонизаторской политики царизма. Особенно упорным и длительным оно было в Тургайской области, где во главе восстания был герой казахского народа Амангельды Иманов, впоследствии ставший вождем национально-освободительного движения. Повстанцы нанесли чувствительные удары по царским карательным отрядам. Но у царизма было много приспешников из местных богачей и восстание было подавлено.

Е. Рахмадиев решил посвятить этим событиям симфоническую поэму, назвав ее "Амангельды'1. И хотя он знал, что есть опера Е. Брусиловского и М. Тулебаева, а также был поставлен фильм на эту тему, он не побоялся создать свое произведение. Действительно, композитору удалось написать цельное, компактное произведение. Оно написано в форме сонатного allegro. Именно эта структура давала возможность композитору разносторонне раскрыть образ Амангельды Иманова - его обращение к народу, его волевые черты, поход, бой, показать душевные переживания, изобразить сцены смерти, оплакивания народом своего героя. Впервые, "Амангельды" была исполнена под руководством JI.M. Шаргородского, которому особенно импонировала тема лирической побочной партии, проходившей у гобоя. Это студенческое сочинение Е. Рахмадиева звучит до сих пор на концертных площадках. Помимо Казахстана поэма исполнялась в Киргизии, в Москве, записана на грампластинку, вошла в учебные программы для учащихся по музыкальной литературе.

1957 год - год завершения учебы в консерватории. В качестве дипломной работы Е. Рахмадиев представил Государственной экзаменационной комиссии первое действие оперы "Камар-Сулу". Успех был несомненным. Умудренный большим опытом его педагог профессор Е. Брусиловский прозорливо предвещал большое будущее своему талантливому ученику. И как показала жизнь, Е.Рахмадиев с честью оправдал доверие своего любимого учителя.

Итак, Е. Рахмадиев вступает в пору самостоятельной творческой жизни. Уже в первых сочинениях тех лет четко обозначились основные черты творчества - глубокое знание казахского народного искусства и истории своего народа, стремление развивать национальную музыкальную культуру в современных ему реалистических основах. Он становится членом Союза композиторов СССР.

Целесообразность и жажда знаний привели Е. Рахмадиева в Москву. В те годы Союз композиторов страны организовал для молодых композиторов стажировку - годичные курсы повышения квалификации при Московской консерватории им. П. Чайковского. Здесь Е. Рахмадиева прикрепили по композиции к профессору В. Я. Шебалину, по полифонии - к Г.И. Литинскому, по инструментовке он попал к Ю.А. Фортунатову.

Москва всегда отличалась насыщенной музыкальной жизнью. Весной 1958 года здесь впервые прошел всемирный конкурс исполнителей имени П.И. Чайковского, на котором среди пианистов первую премию получил Ван Клиберн. Е. Рахмадиев старался побывать на всех концертах пианистов, скрипачей (благо он снял комнату в центре Москвы по Ленинградскому проспекту6).

По возвращении в Алма-Ату Е. Рахмадиев, окрыленный, обогащенный знаниями и впечатлениями, активно включается в творчество: пишет музыку к драматическим спектаклям, кинофильмам, создает много песен, романов, инструментальных пьес и оркестровых сочинений. Среди них лучшие - это симфоническая поэма "Толгау", песни "Жулдызым" на стихи Н. Шакенова, "Сенгенiм сен едiн" на стихи Г. Жумабаева, романсы на стихи Абая, "Кайран елiм". "Конiл кусы", а лиро-эпическая с красивой мелодией песня "Тан самалы" (слова Н. Шакенова) была посвящена молодой красавице, супруге композитора - Кларе. Первой исполнительницей этой песни стала народная артистка СССР Роза Багланова. На конкурсе молодых композиторов в Москве 1962 года Диплома первой степени была удостоена хоровая поэма "Вечер на Балхаше". Памятные награды вручал победителям выдающийся советский композитор А. И. Хачатурян. Там же прозвучала и симфоническая поэма "Амангельды", а также вокально-хореографическая композиция "Красная юрта".

В 1960 году Е. Рахмадиев создает симфоническую поэму "Толгау" ("Раздумье"). В отличие от "Амангельды" она лирико- повествовательного характера, посвящена раскрытию образов родных степных просторов, мирному созидательному труду. "Толгау" явилась прямым продолжением симфонических поэм М. Тулебаева ("Казахстан", "Той"), К. Мусина ("На джайлау"), С. Мухамеджанова ("Родина радости**).

Каждое очередное произведение открывает новые грани таланта композитора. Но мечтой его остается завершение начатой еще в годы учебы в консерватории оперы "Камар-Сулу". Ее воплощению способствовали многие факторы. Во-первых, с творчеством Султанмахмуда Торайгырова (1893-1920) Е. Рахмадиев был знаком еще в школьные годы и уже тогда роман, написанный в прозе и стихах, произвел на мальчика такое сильное впечатление, что он сразу выучил наизусть многие отрывки. В беседе с Евгением Григорьевичем, когда они обдумывали тему дипломной работы, Е. Рахмадиев выразил желание написать оперу и прочел наизусть некоторые отрывки из "Камар-Сулу". Е. Брусиловский загорелся и одобрил, ибо сразу понял, что Еркегали нутром чувствует драму. Сам же рассказал, что написать оперу на этот сюжет Мукан Тулебаев мечтал еще до Отечественной войны, когда учился в казахской студии при Московской консерватории7. Действительно, М. Тулебаев при встрече с Е. Рахмадиевым также одобрил идею оперы по роману С. Торайгырова. Вот только каждый из авторов реализацию этой драмы видел по-своему. М. Тулебаев предполагал личную драму главных героев Камар и Ахмета развить до социальной драмы народа. Е. Рахмадиев же в опере "Камар-Сулу" усилил историю романтической любви героев. Следует отметить, что молодой композитор в этом плане был более близок к источнику, чем М. Тулебаев. Хотя С.Торайгыров и делал главный упор на раскрытие бесправного положения женщин в жизни казахского общества, все же он стремился глубже раскрыть душевную драму красавицы Камар, выразить через прозаическую и стихотворную речь всю остроту ее тяжелых, мучительных переживаний.

Интересно отметить здесь один факт: все три автора - С. Торайгыров, М. Тулебаев и Е. Рахмадиев на момент обращения к "Камар-Сулу" находились приблизительно в одном возрасте (С.Торайгыров умер в возрасте 27 лет. Роман написан в 22 года в 1914- 1915 годах, М. Тулебаеву в 1938-1939 годах было 25-26 лет. Е. Рахмадиеву в 1956-1957 годах - 26-27 лет). Поэтому думается, что все они, в силу своей молодости, юношеского мировосприятия действительности, т.е. по возрастному цензу, прежде всего видели лирико-романтическую сторону жизни персонажей, поэтому естественно, что опера Е. Рахмадиева написана в романтических тонах. Главный упор был направлен на взаимоотношения героев, их любовь друг к другу, хотя судьба их трагична - разлука и гибель влюбленных. Поэтому драматические моменты также присутствуют в опере - это сцена заговора Оспана и Нурума и, особенно, сцена колдовства шамана. Драматический накал в последнем действии достигает своей кульминации.

Премьера оперы "Камар-Сулу" Е. Рахмадиева (либретто Б. Тажибаева и Н. Баймухамедова) с большим успехом прошла 15 апреля 1963 года в академическом театре оперы и балета им. Абая. Успех ей обеспечила прежде всего музыка - мелодичная, искренняя, по колориту наполненная ароматом казахской народной песенности. Прекрасна уже первая песня Камар своей красотой и искренностью, удачны оба дуэта Камар и Ахмета из I и II действий, взволнованные темы которых пронизывают всю оперу в качестве лейтмотива. Немало способствовали успеху оперы и исполнители главных ролей - народная артистка СССР Роза Джаманова и народный артист республики Байгали Досымжанов. На премьере новой оперы можно было убедиться, что уже в то время Е. Рахмадиев мастерски владел оркестром, умел находить для персонажей яркие музыкальные характеристики. Действия развиваются напряженно динамично, достигая кульминации в конце оперы.

Спустя год, 9 апреля 1964 года в концертном зале Казгосфилармонии им. Джамбула состоялся первый авторский концерт композитора Е. Рахмадиева. Вступительное слово сделал музыковед Н.Ф. Тифтикиди. В программу концерта вошли лучшие сочинения, созданные им за годы творчества - поэма для фортепиано "На зов Абая", хоровая картина "Вечер на Балхаше", обработки для хора нескольких казахских песен, в том числе "Япурай" (главный дирижер А.В. Молодов), песни, романсы - "Тан самалы", "Эншi сыры", дуэт "Вечерняя Алма-Ата" и др. Во втором отделении прозвучали симфонические произведения "Амангельды", "Толгау", симфонический кюй "Дайрабай" (Симфонический кюй "Дайрабай " был использован как хореографический танец в опере "Крмар сулу ". Впоследствии как самостоятельное произведение он имел и второе название "Праздничный кюй". Происхождение последующих симфонических кюев "Кудаша-думан" и "Орытпа" такого же порядка, т.е. они появились как танцы в операх "Алпамыс " и "Песнь о целине"), а также арии и дуэты из оперы "Камар-Сулу".
Успех авторского концерта воодушевил композитора на создание многих новых сочинений. До 1970 года будут написаны "Скерцо" для трубы с оркестром, вокально-хореографическая композиция "Красная юрта", лирическая поэма-реквием для солиста, хора и оркестра, посвященная памяти М.О.Ауэзова, "Аястан"- приветственная кантата (стихи Ж. Омирбекова), написанная к Декаде литературы и искусства Казахстана в Армении (1968 г.), музыка к целому ряду драматических спектаклей ("Злая собака", "Жаркое готово", "Судьба отца", "Диалоги"), музыка к кинофильмам режиссера Шакена Айманова - "Земля отцов" и "Конец атамана". Каждое из этих сочинений интересно по музыке и значительно по содержанию.

Так, "Красная юрта" воскрешает картины молодежных праздненств в ауле. В эту композицию автор вводит традиционные казахские игры, народные мелодии и некоторые традиционные элементы из прошлой жизни казахов. И все же "Красная юрта" звучит современно, как бы отражая сегодняшнюю действительность. В "Аястане" Е. Рахмадиев умело сочетает облик древней и богатой земли братской Армении с бескрайними степями родного края. Для показа Казахстана композитор вводит динамическое и напористое терме. Вся кантата завершается глубоко задушевной мелодией гимнического характера, повествующей о дружбе и братстве двух народов.

Интересны по содержанию и ярки по мелодии следующие два произведения - "Скерцо" для трубы с оркестром и поэма-реквием. Первое было написано по пожеланию его исполнителя - профессора Ю.С. Клушкина. Имея традиционную трехчастную композицию, с динамичными терме - образными крайними частями и контрастной кантиленной серединой, "Скерцо" воспринимается как цельное, гармонично-светлое музыкальное произведение. Второе было создано к 70-летию со дня рождения крупнейшего казахского писателя, выдающегося ученого и общественного деятеля М.О. Ауэзова. В глубоко прочувствованной лирической поэме-реквиеме Е. Рахмадиев выразил не только большую любовь народа к своему великому сыну, восхищение его многими благородными созидательными делами, но и скорбь по поводу его безвременной кончины. Использование в кульминационном разделе-эпизоде (вместо разработки) традиционного для казахского народного творчества "Жоктау" ("Плач") на слова С. Мауленова в партии мужской группы смешанного хора производит на слушателя сильное впечатление.
В эти же годы Е. Рахмадиев в соавторстве с композиторами А. Бычковым и Г. Гризбилом создали оперу "Степное зарево" в 3-х частях, 5-ти картинах по либретто писателя Д. Снегина. Она посвящалась 50-летию образования советского государства. Премьера ее состоялась 2 декабря 1967 года и повторно с некоторыми доработками - 12 января 1968 года. Основой либретто послужила борьба русского и казахского народов за установление советской власти в Семиречье, их братская дружба. Соответственно вся сюжетная драматургия оперы построена на острых конфликтных ситуациях. Опера слушается с большим интересом. В ней авторы попытались тонко сплавить национальный музыкальный мелос с современным русским ладо-гармоническим строем. Свежо и интересно звучат переливы казахской и русской музыкальной речи. Авторы сумели лаконично распределить лирические, трагические и героические начала. Особенно удались образы главных героев Естая, Айгуль, акына. Менее удались другие действующие лица - Долголетов и Арапов, которые охарактеризованы порой прямолинейно, что вместе с некоторой стилистической разобщенностью несколько снижает общее впечатление.

Еще более плодотворными будут у Е. Рахмадиева последующие десятилетия. В 70-80-е годы увидят свет основные творчески удачные сочинения. Накануне создания новой оперы "Алпамыс" в одном из выступлений в печати Е. Рахмадиев говорил: "Очень люблю весну. В эту пору хорошо работается - не ты ищешь вдохновения, а оно подстерегает тебя. Вот уже двадцатый раз встречаю первомай в Алма- Ате, городе который я очень полюбил и без которого не мыслю себя. Он словно мелодия -то лирически интимная, то грустная и задушевная, то спокойная, то бурлящая радостью'" Там же он впервые сообщил читателям, что либретто к "Алпамысу" готовит К. Кенжетаев. Полностью опера будет завершена в 1972 году в 4-х действиях и 6-ти картинах. На это монументальное полотно будет потрачено несколько лет упорного труда.

На страницах "Вечерней Алма-Аты" Е. Рахмадиев также расскажет: "Образ мужественного богатыря Алпамыса открыл мне отец. Среди десятков эпосов, которые он знал и пел, Алпамыс был для меня наиболее ярким, живым, зримым. Прошли годы и народный эпос вновь завладел моим воображением. События глубокой старины несли в себе во все времена и всем народам близкое: защита Родины, Отечества, борьба за мир и счастье народов. Мне захотелось изобразить и передать в музыке не только богатырскую мощь главного героя, а великую, неиссякаемую силу всего народа, создать большое героико-эпическое полотно'" И действительно, в опере "Алпамыс" Е. Рахмадиев продемонстрировал свободное и мастерское владение крупными музыкальными формами, умение создавать правдивые и красочные сценические образы. Музыка написана по всем канонам большой классической оперы, а по композиционным приемам близка к опере П. Бородина "Князь Игорь".

Опера открывается акыном-сказителем, в руках которого домбра. Она, сопровождая монологи повествователя, сообщает всем действиям особый матовый, неторопливый ритм. По особому эмоционально наполнен пролог, в котором страдающая Мать земли и народа - А на вручает своему сыну Алпамысу меч, благословляя его на ратные подвиги. В опере важна роль всех составляющих ее компонентов - оркестра, хора, развернутых музыкальных характеристик главных действующих лиц (Алпамыса, его возлюбленной Гульбаршин, завоевателя Тайшик-хана, дочери его Карагоз, тайно сочувствующей батыру, Мыстан-кемпир). Вся опера пронизана народными напевами. Им противопоставляются яркие, образно-содержательные вокальные партии противоборствующих персонажей. Так, крупным планом показан коварный завоеватель Тайшик-хан, в котором жестокость органично уживается с холодным расчетом. Его вокальная партия своими преимущественно речитативными интонациями рельефно противопоставлена широкому, мягкому мелодизму партии Алпамыса. Обилие символики, сказочно-фантастических персонажей, развернутых народно-хоровых сцен ставят "Алпамыс" в ряд лучших сочинений не только самого автора, но и музыкально-сценических произведений из репертуара оперного театра им. Абая. Не случайно, что опера, представленная для участия во Всесоюзном конкурсе, посвященном 60-летию Октября, была заслуженно отмечена и удостоена II премии.

В последующие годы творчество Е. Рахмадиева также отмечено напряженным динамическим развитием. 70-ый год ознаменован значительными достижениями и в жанре симфонических произведений. Но этот жанр представлен, как и в 60-е годы, развернутыми одночастными композициями. Симфонический кюй "Дайрабай" принес композитору тогда наибольший успех. В противоположность "Амангельды", "Толгау" - это эффектное, динамичное оркестровое сочинение, где вихревый, зажигательный темп, жизнеутверждающее начало пронизывают все встречающиеся на его пути темы и образы. Е. Рахмадиев, переоркестровав его в самостоятельное произведение, сумел мастерски трансформировать домбровое двухголосие в мощную оркестровую партитуру, расширив миниатюрную форму до масштабного симфонического сочинения.

После небольшого вводного раздела Е. Рахмадиев дает изложение основной темы, но только в высоком регистре, подобно традиционным терме, которые обычно начинаются с вершины источника. Повторяясь многократно и вариантно изменяясь путем различных форм опевания, оно становится основанием для последующих светлых мелодических преобразований, превращаясь в конечном результате в радужное, праздничное настроение. Средний раздел, как и во многих других сочинениях (например, "Скерцо" для трубы и оркестра), построен на контрольной широкой кантиленной мелодии, он имеет здесь небольшую протяженность, постепенно вливается в элементы темы кюя, обрастая наложением, диалогом, усиливаясь в звучности и перерастая в кульминационную зону, от которой резко начинается динамическая реприза. Мастерство композитора определяется умением синтезировать национальные приемы изложения с традиционными методами европейского симфонизма. В результате сочинение не теряет черты кюевости, но за счет современных средств оркестра звучит обновленно, обогащаясь новыми красками. Поэтому-то Е. Рахмадиев считается композитором, создавшим новый жанр-симфонический кюй.

Подлинное признание "Дайрабай" получил в дни форума в Алма- Ате в октябре 1973 года, во время работы 111-ей Международной музыкальной трибуны стран Азии. Здесь произведение было удостоено первой премии и получило официальное право исполняться за рубежом. На этом же форуме впервые прозвучал и симфонический кюй Е. Рахмадиева "Кудаша-думан". В основу его положен кюй Даулеткерея "Кудаша". Но задуманное как музыкальный портрет жизнерадостной ярмарочное, сочинение перерастает в еще более яркую, красочную картину ярмарочного веселья. В нем также, как и в "Дайрабае", энергичная, упругая тема постепенно формируется из темы вступления. Первый раздел формы построен на проведении темы в нескольких оркестровых группах. В средней части композитор вводит многочисленные эффектные соло различных инструментов. Яркая динамичная реприза суммирует все последующее развитие. В целом "Кудаша-думан" привлекает слушателей зажигательным мелодизмом, цельностью изложения, компактностью композиции.

Оба эти произведения прозвучали в 1976 году в Москве, в Концертном зале им. П. Чайковского под управлением Максима Шостаковича и имели огромный успех. В периодической печати тех лет публиковались многочисленые отзывы на эти сочинения. Так, после второго повторного концерта Е. Рахмадиева в 1983 году в газете "Советская культура" была дана высокая оценка его творчества: "На Востоке говорят, - писалось в ней, - "капелька утренней росы - этот , конечно, не весь мир". Но она способна отразить мир. "Праздничный кюй", которым открывался авторский концерт народного артиста СССР Еркегали Рахмадиева в зале им. П. Чайковского-это, конечно, не весь 'мир' композитора. Но в нем отразились важнейшие приметы авторской индивидуальности - народность, следование традициям и современность мышления" (Советская культура. 1983,.20января.
Маричева В Песнь о целине. Советская культура. 1980. 29 июля.).

И действительно, "Дайрабай" и "Кудаша-думан" стали своеобразной "визитной карточкой" не только их создателя - Еркегали Рахмадиева, но и всего музыкального искусства Казахстана, когда эти симфонические кюй с большим успехом исполнялись в Лондоне, в Филадельфии, в Сиднее, Берлине, Праге, Софии, Будапеште, Улан- Баторе, Токио и других городах зарубежья.

70-е годы ознаменовались созданием еще одного интересного сочинения - написанной на слова Джамбула кантаты "Поэма о конституции" для чтеца, солиста, детского и смешанного хора и симфонического оркестра. Эту "Поэму о конституции", как и созданную годом раньше кантату "Мы славим партию" для смешанного хора и оркестра (на стихи К. Мырзалиева), следует отнести к зрелым сочинениям композитора. Их объединяет многое - в них Е. Рахмадиев сумел передать смысл и значение величайших свершений во имя процветания жизни советских людей. Им свойственны эпическая величавость, сила и патетика. Налицо зрелость художественного мышления, опыт и мастерство профессионального письма.

В "Поэме о конституции" основное внимание слушателей направлено на раскрытие бессмертных слов Джамбула-"Песня моя! Ты лети по аулам!... Я славлю великий советский закон!" Кантата лаконична, стройна, патетически возвышена. После короткого оркестрового вступления звучит основная тема кантаты в партии акына, показывающая образ советского человека и дружбу народов. Средняя часть вносит некоторый контраст, звуча лирически проникновенно, передавая все тончайшие смысловые переливы текста Джамбула и в то же время продолжая общую возвышенную патетику. В финале подключаются мощные аккордовые пласты в партии хоров. Они торжественно завершают славильную песнь единству и братству советских народов.

По мнению одного из исследователей творчества Е. Рахмадиева профессора С. Кузембаевой, "созданием, "Поэмы о конституции" композитор внес значительный вклад в развитие профессионального музыкального искусства республики, так как умело развивая традиции вокально-симфонического жанра, он нашел новые пути в воплощении большой темы гражданского звучания. Публицистичность и пластичность, широта и размах, правдивая, от сердца идущая музыка композитора, получили в "Поэме" убедительное выражение".

Поэма впервые прозвучала в 1977 году в октябре со сцены Большого театра СССР, в исполнении Академического хора Свешникова, детского хора Лаптева Всесоюзного радио, Академического симфонического оркестра Всесоюзного радио, солистов М. Мусабаева, Ануарбека Молдабекова в день принятия Новой Конституции. Поэма была написана по Заказу Политбюро ЦК КПСС.

"Поэма о Конституции" прозвучала в Москве в дни работы VI Всесоюзного съезда композиторов в 1979 году. Она была исполнена хором Латвийского радио и телевидения, детским хором Армении и солистом из Казахстана, народным артистом КазССР Муратом Мусабаевым. Это ли не свидетельство глубокой интернациональной сущности произведения Е. Рахмадиева!

1980 год ознаменовался созданием новой оперы на либретто К. Мухамеджанова "Песнь о целине", озаглавленной автором как "романтические сцены" в двух частях с прологом и эпилогом. Мысль создать оперу на современную тему возникла у композитора давно, еще в студенческие годы. Е. Рахмадиев в интервью газете "Советская культура" говорил: "Тема целины увлекла меня почти четверть века назад, в 1956 году, когда Казахстан дал Родине первый миллиард пудов зерна. Я в ту пору дипломник Алматинской консерватории, был включен в концертную бригаду, обслуживающую хлеборобов-победителей. Запомнился концерт Ермека Серкебаева на будущей центральной усадьбе нового целинного совхоза. Под звездным небом светлыми парусами стояли брезентовые палатки. Сценой была передняя часть комбайна. Освещением - ослепительные фары машин. И на всю бескрайнюю степь - голос Серкебаева, бессмертный романс Абая "Козiмнiн карасы". Ермек пел на казахском языке. И никому не нужен был перевод. Все всё понимали. Надо было видеть лица молодых целинников в те волшебные минуты.

Через 20 лет (1976 г.) по счастливому совпадению обстоятельств в Кустанайской и Кокчетавской областях прошел первый республиканский фестиваль современной музыки. В тот год целинники повторили свой миллиардный рекорд. Е. Рахмадиев, как очевидец, свидетельствует: "В гости к целинникам приехали более трехсот композиторов, артистов, музыкантов Казахстана. Мы выступали в городах, селах, на полевых станах.. .Мы знакомились с удивительными людьми, жизнь которых воспринимается как песня... После первого фестиваля я вернулся с особым возвышенным душевным настроем.. .И как раз в эти дни состоялся большой разговор в министерстве..., в том числе и о том, что современная тема все еще не находит яркого воплощения в крупных музыкальных полотнах... При этом было выражено мнение, что целинная эпопея, несомненно, достойна воплощения в опере..." (Маричева В. Там же. /л Маричева В. Там же).

Сама жизнь настоятельно потребовала от композитора осуществления давно задуманного - написать оперу, посвященную целинникам. Работе помогла и вышедшая в тот год книга Л.И. Брежнева "Целина", где как программное для авторов звучало изречение: "люди растили хлеб на земле - земля растила людей". Эти слова и стали отправной точкой. "Когда я писал оперу "Песнь о целине", - отмечал далее Е. Рахмадиев в интервью, - передо мной как в широкоэкранном кино, проходили картины, запечатлевшиеся в памяти от многочисленных поездок по целине в разные годы: палатки, припорошенные снегом, первые дома. Красивые поселки, утопающие в садах. И лица людей, лица моих друзей - целинников. Их голоса. Голоса планеты ста языков... Таким образом, знание жизни целинников не по книгам и газетным статьям, позволило композитору показать в опере высокую гражданственность и проникновенный лиризм, героику подвига и красоту любви. Поэтому в опере соседствуют сцены, разные по настроению, но единые по внутренней логике. Начальный эпизод из I действия, рисующий трудовые будни целинников, сменяется романтическим монологом секретаря райкома, полный юмора рассказ весельчака Реми естественно переходит в яркую сцену праздника первой борозды. II действие решено в таком же драматургическом ключе: вслед за лирическими эпизодами идет драматическая сцена степного пожара. В борьбе со стихией гибнут главные герои оперы Катя и Санат; скорбная и гордая песня разносится над спасенными полями. Таким приемом авторы находят тонкое и точное решение раскрывающихся проблем. Благодаря этому каждая из контрастных сцен предстает перед зрителями страницей волнующего и цельного рассказа о жизни целинников.

Пролог и эпилог оперы "Песнь о целине" основаны на документальных кадрах, которые воскрешают живую историю освоения казахстанской целины - от ее начала в 1954 году, когда перед молодежью республики в театре оперы и балета им. Абая выступил Л.И. Брежнев, к тем годам, когда страна ежегодно получала богатые урожаи.

Естественно, что всю оперу наполняют яркие запоминающиеся мелодии, где песни, ариозо, арии и дуэты сменяются хорами, танцами, динамическими сценами с большим количеством действующих лиц. Опера "Песнь о целине", поставленная театром в год празднования 25- летия освоения целинных земель, и была посвящена 60-летию образования СССР. Она стала заметным событием в культурной жизни республики, вписала новую страницу в музыкальную летопись казахского народа. В 1982 году на Всесоюзном конкурсе опер, посвященном 60-летию образованию СССР, она была удостоена I премии.

80-е годы ознаменовались созданием еще двух крупных сочинений - концерта для трубы с оркестром и концерта для скрипки с оркестром. Появление их было связано прежде всего с наличием в республике известных исполнителей-трубача, народного артиста КазССР, профессора Ю.Н. Клушкина и лауреата пяти престижных международных конкурсов (Айман Кожабековна Мусаходжаева дипломант и лауреат еждународных конкурсов в Югославии (в 1976 году получила сразу три премии. включая приз зрительских симпатий). Италии (им. Паганини. 1981). Японии (1983), Финляндии (им Сибелиуса. 1985). Москве (им. Чайковского. 1986), Артистки Мира, Народной артистки КазССР, профессора А.К. Мусаходжаевой. Е.Рахмадиев, создавая эти сочинения, ориентировался на их исполнительские возможности. Эти концерты объединяет многое: оба написаны в русле неоромантических традиций, оба относятся к блестящим, виртуозным произведениям. В них раскрыты богатые технические возможности солирующих инструментов и симфонического оркестра. Праздничность и приподнятость эмоционального тонуса в концерте для трубы и свободно-импровизационный стиль в скрипичном концерте, запоминающийся яркий тематизм, лирическая наполненность их образов являются наиболее привлекательными чертами этих сочинений, национальных по музыкальному языку и суперсовременных по средствам воплощения.

Концерт для трубы с оркестром написан в 1983 году. Он одночастный по строению, но по музыкальной наполненности, контрастности разделов и большой протяженности по звучанию (21 минута) имеет, по существу, трехчастную композицию.

Композитор как бы преднамеренно по подаче тем не выходит за рамки классической формы, кристаллизуя тему главной партии во вступлении. Она формируется как бы из хаоса (на фоне тремоло оркестра, где сумрачно и сдержанно звучат начальные интонации в партии трубы), но, оформившись, яркая, динамичная тема звучит изящно, просто и открыто. Здесь Е. Рахмадиев снова выступает как композитор, обладающий щедрым мелодическим даром. При многочисленных повторах тема обрастает подголосками и постепенно завоевывает большой диапазон звучности. Побочная партия появляется после связующей, также построенной на новом тематическом музыкальном материале. Но вторая тема звучит мягко и лирично. Сходство контрастных мелодий главной и побочной определяется постепенно при длительном развертывании, в процессе которого темы интонационно сближаются, образуя одно большое временное пространство. Обнаруживается это в кульминационном разделе. Завершается экспозиция эффектной, фанфарной заключительной партией. Она создает впечатление нового этапа развития темы вступления. Интенсивная тематическая разработка построена на музыкальном материале главной партии. Напряженное развитие, подчеркнутое броскими, колоритными оркестровыми красками и богатством приемов инструментального солирования многих инструментов, приводит к кульминации, в момент которой появляется кантиленная побочная партия. Этот прием подчеркивает вообще лирическую сущность концепции всего произведения.

Вторая волна развития в разработке выводит к самостоятельному эпизоду, также лиро-эпического происхождения. Певучая, грациозная мелодия широкого дыхания проводится многократно, каждый раз обновляясь оркестровым сопровождением и приходя в импровизационные общие формы движения. Внезапно слышатся пафосные реплики темы выступления, которые после длительного диалога соревнования трубы с оркестром выливаются в виртуозную каденцию солиста. Реприза короткая. В ней звучит только главная партия, также создающая контраст всему предшествующему - звучит по особому светло и пленительно. Завершает весь концерт торжественная кода. В целом вся музыка концерта для трубы с оркестром привлекает слушателей своей одухотворенностью, поэтичностью, удивительной чистотой лирических откровений.

Концерт для скрипки с оркестром, как и концерт для трубы с оркестром, создан Е. Рахмадиевым в период большой творческой активности. По существу, это сочинение можно отнести к разряду гениальных творений, которое, как "Дайрабай" и "Кудаша-думан", стало "визитной карточкой" в мировом музыкальном пространстве не только для композитора, но и прежде всего для музыкальной культуры Республики Казахстан.

Концерт для скрипки с оркестром написан в 1985 году, в ре мажоре и состоит из трех самостоятельных частей (I ч. - Andante cantabile, II ч. - Andante, III ч.- Allegro ma non troppo). Содержание концерта направлено на раскрытие в обобщенной форме образа человека с его глубокими гуманистическими идеями, борьбой личности с окружающей средой, с теми общественными условиями, в которые он втиснут, и которые не всегда совпадают с его личностными представлениями. Основной конфликт, столкновение происходит в I части, самой большой по объему, и разворачивается по всем канонам сонатной формы. И, как в концерте для трубы, полетные, лирико-романтические темы превалируют над динамически действенными, раскрывая идею победы личности с встречающимися преградами. Однако II часть, которая посвящена главному герою, его внутреннему миру, звучит, в основном, в одном образно-эмоциональном тонусе, хотя напряженные драматические моменты также присутствуют. Благодаря мастерской разработке композитором казахской народной песни "Екi жирен", эта прекрасная медленная часть овеяна неповторимыми мелодическими и оркестровыми красками. Эта многоликая, красивейшая лирико-грустная тема до Е. Рахмадиева не раз использовалась композиторами Казахстана (Е. Брусиловским, С. Мухамеджановым) в инструментальных сочинениях. Но в этом произведении раскрыты ее иные, более глубинные лирико-драматические стороны.

Второй части концерта контрастирует веселая, солнечная III часть. Картина праздничного веселья приобретает здесь особый смысл. Основная радостно оживленная тема, в процессе развития приобретающая черты танцевальности, строится на мелодии прекрасной, широко известной казахской народной песни "Сырдын караторгайы". Но как мастерски композитор развил ее, использовав высшие формы современного оркестрового письма! Он нашел такие приемы и методы симфонического развития, которые отвечает характеру этой народной мелодии. Высокими достоинствами отличается оркестровка Е. Рахмадиева, основанная на тщательно разработанных и глубоко продуманных деталях. В этом концерте, можно сказать, работает афоризм - "Красота музыкальной мысли вызывает красоту оркестра". Композитор сумел достойно провести диалог сольных партий скрипки и оркестра. Их соревнование, естественный переход, перекличка тем построены так, что происходит непринужденное динамическое развитие народной песни по принципу кюевого развертывания. Композитор сумел раскрыть в "Караторгай" неисчерпаемое богатство творческой фантазии народа, воплотить типичные черты его характера. Этого он достигает непрерывным интонационным развитием, приводящим к образованию из одного зерна новых мелодических наслоений. Такое доступно лишь композитору, обладающему мастерством свободного мелодического развертывания.

Лирическая задумчивая вторая тема, которая проходит также в партии солирующей скрипки, теперь сопровождается арфой. Она контстатирует первой своей кантиленностью, лиро-эпическим происхождением. Подобные развернутые темы нередко звучали у композитора в средних разделах оркестровых трехчастных композиций ("Скерцо", "Дайрабай" и др.), в целом ряде песен и романсов ("Тан самалы", "Бала гашык", "Сагыныш", "Елiм менiм"). Вновь возвращаются картины праздничного шествия, они контрастируют короткому лирическому эпизоду, построенному теперь на интонациях припева "Караторгай". Но вскоре все развитие завершается кодой торжественно-помпезного характера, утверждая общий оптимистический настрой.

Концерт для скрипки с оркестром как одно из лучших творений композитора - свидетельство о его высочайшем культурном музыкальном мышлении: звуковой мир концерта богат образными сопоставлениями, действительностью. В нем свободно импровизационный характер кантиленных мелодий органично сочетается со строгой ритмичностью танцевальных напевов, а все сольные партии скрипки значительно усиливают возвышенно- романтический дух музыки.

90-е годы во многом возвращают композитора Е. Рахмадиева к любимому и в содержательном плане непритязательному камерно- вокальному жанру. В 1997 году в Центральном концертном зале и в марте 2000 года в Казахконцерте Алматы прошли с аншлагом концерты из песен и романсов Е. Рахмадиева. В них приняли участие лучшие исполнительские силы республики. В первом концерте прозвучал полностью цикл романсов на стихи Абая в исполнении заслуженного артиста РК Шахмардана Абилова. Из них - "Конiл кусы куйкылжыр", "Кайран елiм, казагым" были написаны раньше (1963). Остальные "Жаз", "Жаксылыгын кунде умыт", "Конiлiм кайтты достан да, душпаннан да", "Кара катын дегенде", "Ciз - кыргаул жез канат" - в 90-е годы. Чувствуется, что каждый из романсов создавался композитором в порыве душевного волнения, смятения, осмысления жизни. Он сумел из многочисленных стихов Абая обратиться к таким, которые и через столетия созвучны нашему времени, близки каждому слушателю.

Целый ряд песен и романсов написаны на стихи М. Макатаева ("Кузде", "Бала гашык"), К. Салыкова ("Акан cepi", "Сейлейдi тагдыр", "Сэкенiн жана аркасы", "Еске алайык"), Т.Молдагалиева ("Экемдi куттiм", "Балкаш вальсы', "Келес, келес", "Сагыныш", "Кешiр менi, балалык кез" и др.), Махамбета Утемисова "'Аспандагы боз торгай", "Ау, кызгышкус"). Уже по их названию можно определить, что у композитора возрастает интерес к поэтическому слову. Особое внимание уделяется Е. Рахмадиевым воплощению декламационно речевых элементов, к сохранению стилистических особенностей стихотворений. Наряду с песенными куплетными формами нередко встречается различные типы речитатива - терме, желдирме. В интонационном отношении многие напевы близки к народно-песенным традициям Восточного Казахстана.

И все же основное внимание Е. Рахмадиева направлено на осмысление состояния музыкальной культуры республики, пройденного творческого пути и поиска приоритетов. После многолетних обдумываний композитор избирает оперу и приступает к сочинению "Абылай хан". В одной из бесед он признался, что после написания очередной оперы он каждый раз обещает себе - "это последняя моя опера". Но проходит время, возникают какие-то ситуации или складываются новые обстоятельства, создаются условия и он снова в работе над новой оперой. Так и продолжается - по-существу, каждое десятилетие в его творческой жизни отмечено очередной оперой.
А если обратиться к сюжетам его опер, можно обнаружить, что они совершенно разные по содержанию, литературным источникам и отвечают тем требованиям, которые подсказывало время. Здесь мы не возвращаясь к историям создания предыдущих опер, лишь отметим, что сюжет последней оперы "Абылай хан", был, несомненно, связан с обретением Казахстаном независимости, суверенитета.

Героико-эпическая опера "Абылай хан" Е. Рахмадиева по либретто А. Кекильбаева, состоит из 2-х частей 4 картин. Основная идея - защита отечества от внешних врагов (калмыкских, коканских, хивинских, джунгарских и других ханств). В опере описан лишь эпизод борьбы с джунгарами, в котором изобилие действующих лиц, обусловившее массу диалогов разного характера и сцен. Но сквозными являются все же образы Бухара-жырау и Абылай хана. Общественность республики с нетерпением ожидает, что эта монументальная опера в скором будущем увидит свет, будет поставлена лучшими силами солистов и артистов современного оперного театра.

Обобщая сказанное по творчеству одного из виднейших композиторов современного Казахстана Еркегали Рахмадиева, надо констатировать, что он принадлежит к тем счастливым художникам, которые получили всенародное признание при жизни. Пожалуй, нет ни одного сочинения композитора, которое бы не исполнялось в "горячем виде" и большинство из них звучат на многих концертных площадках не только нашей республики, но и далеко за ее пределами. Об этом свидетельствуют данные прессы об исполнении "Дайрабай", "Кудаша-думан", "Скерцо" и концертов для трубы и скрипки и т.д.

Причины сталь широкой известности композитора кроются в его музыке: в каком бы жанре она не создавалась, она всегда направлена на слушателя. Е. Рахмадиев хорошо ориентируется во вкусах народа, тонко чувствует его доверие и с еще большей ответственностью предъявляет требования к себе. Все его творения - оперы, концерты, симфонические поэмы и кюи, кантаты, песни и романсы - активно входят в культурную жизнь республики, составляют ее существенную и весомую часть. Е. Рахмадиев в своем творчестве несомненно исходит от истоков народной мудрости, высоких этических и эстетических идеалов народа. Для композитора характерно цельное, гармонично- светлое восприятие окружающей действительности, предстающей в красочном единстве контрастных сторон.

Контрастность сторон в творчестве Е. Рахмадиева видится в том, что во всех крупных сочинениях присутствуют три, казалось бы, разных фактора, романтическая приподнятость, эпическая широта и неистовая напористость, динамика в движении. Эти три качества, на первый взгляд мало совместимые, возможно и являются той притягательной силой, которая объясняет, почему его нельзя слушать равнодушно. И, действительно, как только появляются первые звуки, чаще всего они бывают действенные, устремленные, полетные, слушатель весь в их власти: заинтересованно следит за музыкой, ее развитием и завершением. А мелодия, постепенно преобразуясь, приводит к следующему контрастирующему разделу, также возвышенному, полетному, но кантиленному, лирическому, романтически взволнованному.

Другой чертой стиля Е. Рахмадиева является лаконизм, четкость мышления. В малую форму, за короткий промежуток, немногими средствами выразительности композитор успевает вложить значительный объем информации. В этом смысле, думается, ему более импонируют одночастные композиции (хотя у него есть и многочастные циклы, например, Скрипичный концерте оркестром).

Еще одна важная черта творчества Е. Рахмадиева заключается в том, что он в каждом произведении - камерное ли это сочинение или крупное сценическое, стремится ввести нечто новое, оригинальное, ярко запоминающееся. Это придает, например, каждой опере свои индивидуальные черты. Так, в опере "Камар-сулу" новым была сцена шаманства и хорал за сценой; в "Алпамысе" - полуреальный, полуфантастический образ Мыстан; в опере "Песнь о Целине" все действия разворачиваются в форме романтических сцен - коротких, контрастных, в виде отдельных, запоминающихся эпизодов из жизни целинников; в "Абылай хане" - это обилие диалогов между многочисленными разнохарактерными персонажами. Общим же для всех опер композитора является глубокое знание национальных традиций, умение гибко и свободно применять их, открывая свежие, порой неожиданные их возможности на пути расширения и обогащения национального стиля в рамках европейских традиций.

В заключение хотим выразить надежду на то, что несмотря на приближающееся 70-летие композитора нас ждет много волнующих встреч с новыми высокохудожественными творениями мастера, ибо он полон сил, задора и энергии!

Наверх
Top of Page